Sandar Tun Tun construit son travail autour de la fabulation, de nouvelles alliances et trajectoires collaboratives. Artiste, chercheur·se, DJ et compositeur·rice iel développe une pratique sonore, spatiale et performative centrée autour de l’écoute, réactivité sensible et critique. 
Ses installations, compositions, performances, sets audiovisuels ou écritures collectives s’intéressent aux conditions de coexistence au sein de cultures dominantes, à l’espace d’apparition/disparition, au lien entre technologie et spiritualité, écologies non-humaines et conscience collective et donnent lieu à des projets aux langages hybrides allant de la création d’entitées à l’organisation de soirées de poésie sonore.  
Sandar incarne les identités musicales Nay Thit (DJ, producteurx) et SD S (noise, musique électronique) et est aussi une moitié de BARE-TT, un duo de musique expérimentale formé en 2016 avec la chercheuse, artiste et biologiste Katia Barrett. BARE-TT est un projet audiovisuel conceptuel qui explore les possibilités de narration sonore à la croisée de la science-fiction féministe queer et des relations symbiotiques du vivant. 

Commande et co-production : Triangle – Astérides, centre d’art contemporain et Festival Parallèle

En partenariat avec le GMEM — Centre national de création musicale et la Friche la Belle de Mai.

Vous pouvez consulter le site internet du GMEM.

Sandar Tun Tun construit son travail autour de la fabulation, de nouvelles alliances et trajectoires collaboratives. Artiste, chercheur·se, DJ et compositeur·rice iel développe une pratique sonore, spatiale et performative centrée autour de l’écoute, réactivité sensible et critique. 
Ses installations, compositions, performances, sets audiovisuels ou écritures collectives s’intéressent aux conditions de coexistence au sein de cultures dominantes, à l’espace d’apparition/disparition, au lien entre technologie et spiritualité, écologies non-humaines et conscience collective et donnent lieu à des projets aux langages hybrides allant de la création d’entitées à l’organisation de soirées de poésie sonore.  
Sandar incarne les identités musicales Nay Thit (DJ, producteurx) et SD S (noise, musique électronique) et est aussi une moitié de BARE-TT, un duo de musique expérimentale formé en 2016 avec la chercheuse, artiste et biologiste Katia Barrett. BARE-TT est un projet audiovisuel conceptuel qui explore les possibilités de narration sonore à la croisée de la science-fiction féministe queer et des relations symbiotiques du vivant. 

Commande et co-production : Triangle – Astérides, centre d’art contemporain et Festival Parallèle

En partenariat avec le GMEM — Centre national de création musicale et la Friche la Belle de Mai.

Vous pouvez consulter le site internet du GMEM.

The Living and the Dead Ensemble est un groupe d’artistes, d’interprètes et de poètes·se·s d’Haïti, de France et du Royaume-Uni. L’Ensemble a été créé en Haïti, en 2017, pour produire la traduction et la performance en créole haïtien de la pièce Monsieur Toussaint d’Édouard Glissant.
Le premier film de l’Ensemble OUVERTURES a été présenté en première à la Berlinale 2020. Cette œuvre explore l’influence d’Haïti, première république noire indépendante des Amériques, dans la modernité occidentale comme au cœur de l’histoire et le présent des Caraïbes.

The Living and the Dead Ensemble est actuellement composé de : Mackenson Bijou, Rossi Jacques Casimir, Dieuvela Cherestal, James Desiris, James Peter Etienne, Leonard Jean Baptiste, Louis Henderson, Sophonie Maignan, Cynthia Maignan et Olivier Marboeuf.

Co-production : Spectre Productions, Théâtre de l’Usine à Genève, Ateliers Médicis à Clichy-Montfermeil, Kunstenfestivaldesarts, Z33, Savvy Contemporary

Avec le soutien de l’Onda - Office national de diffusion artistique.

Vous pouvez consulter le site web de The Living and the Dead Ensemble.

Chouf est une artiste dont le travail s’inscrit dans une tradition poétique contemporaine de l’intime.
Son écriture joue subtilement à dire l’amour et le désespoir, elle parle des vivants et des morts,
de la solitude d’être soi, du courage pour dire les choses.

Trustfall est un artiste basé à Paris qui crée des chansons pop tendues qui résonnent entre l’acier noir de la BO de Heat de Michael Mann et le blues de Sade qui chasse le dragon. Encadré par le compositeur et artiste d’avant-garde William Basinski et le regretté théoricien de la culture Mark Fisher, sa musique se caractérise par un sens classique de la construction couplé à un k-funk abstrait et fantomatique, profondément ancré dans l’expérience contemporaine. Travaillant à Los Angeles, Londres, Paris et Berlin, il a affiné son art en tant qu’auteur-compositeur et instrumentiste très demandé, s’est produit en concert avec ses contemporains Kelsey Lu et Holly Herndon, a composé des bandes sonores pour des films et des défilés de mode et a produit des mixes acclamés pour Radio alHara, NTS Radio et Rinse FM.

Chkoun is it? est une association qui tend à mettre en avant l’hybridation, l’intersectionnalité et l’altérité comme vecteurs de création, en proposant des programmes culturel et musical où se mêlent des propositions musicales, festives, conviviales et artistiques.

Chouf est une artiste dont le travail s’inscrit dans une tradition poétique contemporaine de l’intime.
Son écriture joue subtilement à dire l’amour et le désespoir, elle parle des vivants et des morts,
de la solitude d’être soi, du courage pour dire les choses.

Trustfall est un artiste basé à Paris qui crée des chansons pop tendues qui résonnent entre l’acier noir de la BO de Heat de Michael Mann et le blues de Sade qui chasse le dragon. Encadré par le compositeur et artiste d’avant-garde William Basinski et le regretté théoricien de la culture Mark Fisher, sa musique se caractérise par un sens classique de la construction couplé à un k-funk abstrait et fantomatique, profondément ancré dans l’expérience contemporaine. Travaillant à Los Angeles, Londres, Paris et Berlin, il a affiné son art en tant qu’auteur-compositeur et instrumentiste très demandé, s’est produit en concert avec ses contemporains Kelsey Lu et Holly Herndon, a composé des bandes sonores pour des films et des défilés de mode et a produit des mixes acclamés pour Radio alHara, NTS Radio et Rinse FM.

Christelle Oyiri aka Crystallmess est à la fois DJ, productrice mais aussi écrivaine et artiste, soucieuse de mettre en lumière les sub-cultures passées et présentes.
Sa démarche de DJ et de productrice, passe du zouk abrasif et du dancehall à l’afro-trance et à la techno de Detroit, qu’elle soit derrière les platines pour une fête Janus à Säule/Berghain, la ø party mensuelle d’Hyperdub aux Corsica Studios, la fête d’Yves Tumor Terms of Endearment ou la fête locale parisienne CONCRETE.
Elle s’appuie davantage sur les textures, le continuum sonore et la narration plutôt que sur les genres, tout en continuant à faire vibrer la piste de danse.
Abordant les thèmes de la culture des clubs, de l’aliénation coloniale et des temporalités alternatives, elle crée “Collective Amnesia” en 2018. Inspirée par le travail de Kodwo Eshun de l’Unité de recherche sur les clubs cybernétiques sur l’afrofuturisme et la musique, cette performance multidisciplinaire mêlant film, DJ, et performance vocale traditionnelle de griologie célèbre l’histoire oubliée du logobi, une danse afro-française urbaine du milieu des années 2000 fusionnant techno hardcore et coupé décalé.
Elle a autoproduit son premier EP Mere Noises, oscillant entre énergie brute de rave, dancehall sombre et ambient mélancolique, soutenu par des artistes comme Kode9, Lee Gamble et Klein.

En coréalisation avec SISSI club.

Vous pouvez consulter l’instagram de Christelle Oyiri.
Vous pouvez aussi écouter son Souncloud.
Vous pouvez parcourir son site web.
Vous pouvez aussi écouter son Bandcamp.

Marius Barthaux, directeur artistique
Après l’obtention d’une licence de Lettres et de Théâtre à Paris, Marius intègre en 2015 la Manufacture de Lausanne pour suivre le Bachelor de danse contemporaine option Création, dont il sort en juin 2018. Entre janvier et juin 2021, il assiste également à la formation Danse et Paysage de l’Ecole Nationale Supérieure de Paysagisme de Versailles, pour mieux cerner les enjeux de la danse au sein d’espaces extra-scéniques. Professionnellement, il est impliqué dans la création de différents projets personnels et collectifs, en Suisse et en France. Depuis 2015, il fait partie d’un collectif parisien, La Grosse Plateforme, collectif transdisciplinaire qui se consacre à la création d’évènements et d’objets artistiques. Leur premier spectacle, Le Sacre , pièce in situ mêlant chant a capella et danse, a été présenté dans de nombreux festivals depuis quatre ans. Sur la saison 2018-2019, Marius est artiste associé à la fondation l’Abri, lieu consacré à la jeune création à Genève, ce qui lui permet de développer la création d’un solo, dires des sommes , ainsi que de cofonder la compagnie des marmots en juin 2019. Depuis mai 2021 et dans la prolongation de son solo, Marius continue ses expérimentations sensorielles dans l’espace public avec les enfants d’une école de Saint Florentin sous le nom d’un projet intitulé Cosmos des sommes, dans le cadre du programme Création en cours piloté par les Ateliers Médicis. L’objectif de ce projet est de créer une série d’objets artistiques reliés entre eux par des fictions et des dispositifs similaires.
La première pièce collective à naître de cette série se nomme la patrouille et sera en création au Dancing-CDCN de Dijon en novembre 2021, ainsi qu’au Château de Monthelon en mai 2022 pour une première prévue à la fin de l’été 2022. Marius est aussi interprète pour des chorégraphes comme Fanny de Chaillé, La Fabrique Fastidieuse, Nicole Seiler, Nagi Gianni ou encore Antoine Thiollier.

Karine Dahouindji, directrice artistique
Karine Dahouindji est danseuse interprète, performeuse et chorégraphe. Elle se forme au conservatoire de Nîmes et au CND d’Angers avant d’entrer à La Manufacture pour y développer son univers et s’investir dans la composition et l’improvisation. Durant cette formation elle participe à différents projets vidéos, photos et cinématographiques. En 2018, elle obtient son Bachelor en danse contemporaine et enchaîne avec le projet Talent Adami Danse avec les chorégraphes Béatrice Massin et Pierre Rigal. Depuis elle continue à rencontrer divers artistes avec qui elle a fait des reprises de pièces ou des stages notamment Ruth Childs et Ambra Senatore. Elle crée également le collectif Ouinch Ouinch avec 3 ami·e·s et partage sa direction artistique avec Marius Barthaux pour le moment. Karine travaille aujourd’hui principalement en Suisse avec différents artistes : chorégraphes, metteuse en scène ou plasticienne comme Nicole Seiler, Yasmine Hugonnet, Natasza Gerlach ou Maëlle Gross. Elle participe aussi à la tournée Tanzfaktor 2020 avec Molecutrio et aux Swiss Dance Days 2022 avec Happy Hype deux pièces des Ouinch Ouinch. Elle continue également à travailler autour de différents projets photos et vidéos. Pour la saison 2021/2022, Karine est artiste associée à l’Abri, l’occasion pour elle de se lancer dans sa première pièce en solo.

Adél Juhász, performeuse
Adél Juhász est une danseuse contemporaine hongroise, basée entre la Hongrie et la Suisse. Elle fait ses études à la Budapest Contemporary Dance Academy en parallèle de laquelle elle commence à développer son propre langage gestuel et à expérimenter dans le champ de la création. En 2015 elle monte la pièce Coexit en collaboration avec le musicien Áron Porteleki. En 2016, elle intègre le Bachelor de danse contemporaine de La Manufacture de Lausanne. Elle y créé en 2018 le solo László, qui a eu l’occasion d’être montré à plusieurs reprises (Les Quarts d’Heure de Sévelin, Sziget festival, Dunapart showcase, Ubik Eklekktik festival). Depuis 2019, elle travaille avec Csaba Molnár en tant qu’interprète dans la pièce Gods and Monsters, et avec le Collectif Ouinch Ouinch, en compagnie duquel elle reprend la tournée de la pièce Molecutrio, pièce sélectionnée dans le cadre du dispositif Tanzfaktor 2020, ainsi que Happy Hype. Cette année, elle est artiste associée à La Fondation L’Abri, lieu de résidence dans lequel elle conçoit sa prochaine création, László Károlyné.

Elie Autin, performeur
Élie Autin entre dans un premier temps au Conservatoire de Montauban puis à celui de Toulouse. En parallèle, il poursuit un parcours scolaire classique. En 2016 il intègre la Manufacture-Lausanne pour y suivre le cursus du Bachelor en danse contemporaine option Création qu’il termine en Juin 2019.
Durant ses études, Élie rencontre différents artistes et chorégraphes tels que Simone Aughterlony, Mark Lorimer, Valeria Bertolotto, Cindy Van Acker, Thomas Hauert, Gabriel Schenker. Il est invité par Dadid Zambrano à performer un solo pour l’ouverture de son centre d’art Tic Tac Art Center à Bruxelles en 2018. En parallèle de ses études à la Manufacture, Élie a été engagé sur plusieurs projets comme avec Jérôme Bel pour Gala qu’il danse à trois reprises notamment pour le festival de la Bâtie. Il collabore aussi avec Vincent Macaigne pour En manque. En novembre 2019 Élie Autin sera en résidence à la Tanzhaus (Zurich) avec Juliette Uzor pour réinventer leur duo de Bachelor créé à la Manufacture. En 2020 Élie fera partie du projet OPERALAB organisé par le Grand Théâtre de Genève, la Comédie de Genève et les Hautes Écoles d’Art de Suisse Romande. Durant la saison 2020-2021, il fera partie de la création d’Alexandre Doublet.

Maud Hala Chami aka Dj Mulah, musique
En 2016, Maud Hala Chami créé l’association ZRO21 un label indépendant de musique et une maison d’édition, spécialisée dans le développement d’artistes et la gestion de la culture urbaine. Mulah est une artiste polyvalente, aimant mélanger la technicité de la production musicale avec le monde festif de la performance live et du divertissement. Les Ouinch Ouinch font appel à sa créativité et sa pertinence musicale pour lancer le concept Happy Hype. En 2019, Maud Hala Chami devient une représentante des femmes dans le monde du mix. Aidant par ses performances live à mettre en avant l’égalité, sous toutes ses formes.

Collin Cabanis, performeur·se
Collin a pratiqué le breakdance pendant plus de dix années à Lyon. En parallèle iel s’initie à la danse contemporaine en s’éloignant petit à petit du break. Iel se forme également en gestion administrative et commerciale d’organisations culturelles à l’Université Lyon 3. À la Manufacture, Collin plonge dans le bassin de l’improvisation et alimente cette pratique en y croisant le chemin de nombreux·ses grand·e·s improvisateur·rice·s tel que Thomas Hauert, Martin Kilvady ou David Zambrano. Lors de sa formation, iel participe à des créations avec Alix Eynaudi, Mathilde Monnier ainsi que Nicole Seiler avec qui elle a aussi créé Wouah!. Au printemps 2021, Thomas Hauert lui transmet le solo Personne, qu’iel performe aux Brigitinnes, à Bruxelles. Finalement, iel fait partie du collectif Foulles avec qui iel a déjà créé deux pièces; Song for four people and one Bench (2019) et A Prayer Before (2020). Depuis 2018, iel organise en collaboration avec Fabio Zoppelli les Monday Evening Sharings qui sont des soirées de performances instantanées avec des musicien·ne·x·s live, d’abord à la Manufacture puis au Théâtre Sévelin 36, depuis janvier 2021.

Aide à la diffusion : Anna Ladeira / Association Le Voisin
Co-productions : Fondation L’Abri, le FAR, Belluard Bolwerk Festival

En coréalisation avec le MUCEM.

Vous pouvez consulter le compte Instagram instagram du Collectif Ouinch Ouinch.
Vous pouvez aussi parcourir leur site internet.

En coréalisation avec Artagon.

Vous pouvez consulter le site internet d’Artagon.
Vous pouvez aussi consulterleur compte Instagram.

Old Masters est un collectif d’âge moyen formé de Marius Schaffter (performeur et géographe), Jérôme Stünzi (scénographe et artiste) et Sarah André (auteure, artiste et scénographe, alias André André). Depuis 2014, ils s’approprient et réagencent les discours les plus variés, banals ou experts, qu’ils soient scientifiques, politiques, artistiques ou quotidiens. Concevant la représentation théâtrale comme une œuvre plastique totale, elles·ils créent des univers à l’esthétique toujours forte, insolite et radicale. À l’aide de leurs armes favorites que sont l’absurde, la sincérité, la bienveillance, l’ironie, la beauté, la tristesse et la douceur, Old Masters nous propose de faire l’expérience, collectivement, de ce que pourrait être la liberté aujourd’hui, une liberté située, changeante, toujours à la recherche d’elle-même.
Bande originale, la dernière création du collectif a été écrite à partir d’une œuvre musicale réalisée pour l’occasion par Nicholas Stücklin. Old Masters y propose une expérience scénique radicale : une écoute collective d’une pièce sonore, ornementée d’un texte en surtitre et de tableaux vivants au minimalisme saisissant. Bande originale se présente comme le manifeste d’un petit groupe d’êtres, à la fois ultimes survivants d’après l’apocalypse et ancêtres post-néolithiques.
En 2020, Old Masters crée Le Monde à l’Arsenic une pièce qui montre simplement, en trois étapes, comment construire (1) le monde, (2) les choses et (3) les mots. Elle a aussi été présentée au Théâtre Saint-Gervais à Genève et sera à l’affiche du Focus Old Masters au Centre culturel suisse de Paris en janvier 2021 avec L’impression.
L’impression, créée en 2018, est une pièce de théâtre à visée thérapeutique sur la vie en général, co-produite par le TU – Théâtre de l’usine à Genève et l’Arsenic à Lausanne.
En 2016, Old Masters écrit, publie et monte Fresque, une pièce qui au travers d’un dispositif et d’une situation simple offre le récit bouleversant de deux individus et surtout d’un objet scénique, le module. La pièce a notamment été sélectionnée puis présentée en mai 2018, au Stückemarkt du Theatertreffen de Berlin. Elle repart en tournée en Suisse romande lors de la saison 2020-2021.
La première œuvre d’Old Masters Constructionisme, créée en 2014, est un dispositif performatif de création, d’analyse et de dissection d’objets d’études. Constructionisme a remporté en 2015 Premio, le prix d’encouragement aux Arts de la scène. Depuis sa création, Constructionisme est régulièrement présenté dans de nombreux festivals, musées ou universités, en français, en anglais et en allemand, en Suisse et à l’étranger.
Old Masters collabore régulièrement avec différents artistes : Charlotte Herzig, Jonas Bühler, Nicholas Stücklin, Sofia Teillet, Jérémy Chevalier, Joana Oliveira. L’association Pâquis production à Genève, et plus précisément Laure Chapel en assure habilement l’administration.

Production : Old Masters
Co-production : TU – Théâtre de l’Usine Genève
Soutien : Ville de Genève, Loterie Romande, Fondation Nestlé pour l’Art, Ernst Göhner Stiftung, Société des Interprètes Suisses, Fonds d’encouragement à l’emploi des intermittent·e·s genevoi·e·s (FEEIG), CORODIS, Pro Helvetia, République et canton de Genève

En coréalisation avec Montévidéo.

Vous pouvez consulter le site web d’Old Masters.
Vous pouvez aussi parcourir leur compte Instagram.
Vous pouvez également écouter le Soundcloud de la bande sonore.

Connu sous le nom d’Abstraxion et Lion’s Drums, Harold Boué est un producteur et musicien basé à Marseille.
Abstraxion signe ses premiers morceaux en 2005, et sa discographie compte aujourd’hui une bonne quinzaine d’EPs et deux albums (Break of Lights, 2013, sur le label de Nicolas Jaar, Other People ; She Thought She Would Last Forever, 2016). Sorti en mai 2019 sur le label Dischi Autunno de Jennifer Cardini, son dernier EP, Black Vulture, comporte notamment des remixes de Black Merlin et Interstellar Funk.
Harold se lance en 2018 dans l’exploration de nouveaux territoires/paysages musicaux avec Lion’s Drums, qu’il développe désormais en parallèle du projet Abstraxion. À l’image de sa ville, Marseille, ce nouveau projet est rough, gorgé de lumière et traversé de nombreuses influences.
Toujours en quête de drums spéciales et des disques rares, Lion’s Drums signe un son d’une vibration puissante et pure, porté par une mécanique tribale qui dresse naturellement un pont entre la technologie actuelle et une forme de transe ancestrale. Il sort sur le label Hivern Disc de John Talabot un premier EP éponyme incluant notamment un morceau co-signé avec Fantastic Man, suivi d’un deuxième EP chez les berlinois Cocktail d’Amore, puis propose une version acide psychédélique du titre Goca Dunya du groupe turc Altin Gün.
Avec son partner in crime de toujours, DC Salas, Harold co-dirige le label Biologic records qui, parmi ses artistes les plus récemment signé.e.s, compte Matisa, ڭليثرGlitter٥٥ ou encore Malcolm. Harold a parcouru le globe, parfois accompagné de volumineux synthèses vintages pour ses performances live ou dj set sur des scènes parmi les plus prestigieuses telles que le Pitchfork festival, Berghain - Panorama-bar, partageant à l’occasion les platines pour des back-to-back enflammés avec ses amitiés musicales comme Roman Flügel, Budino, Bufiman, Chloé, Zozo… 2021 s’annonce comme une année chargée avec la sortie de deux albums Lion’s Drums : Kagabas, qui combine compositions musicales de studio et enregistrements de chants et de sons recueillis dans un village Kagaba, dans la Sierra Nevada en Colombie, puis un second album sera bientôt annoncé chez Cocktail d’Amore Music.
Il est également actif depuis 2014 avec le collectif marseillais du Laboratoire des Possibles et ses soirées Mouillette. Il lance avec eux le festival, éco responsable, Encore Encore dans le village varois de son enfance, Correns, premier village bio de France et qui a formé sa sensibilité et son amour de la nature qu’il exprime à travers sa musique et ses projets aujourd’hui.

Co-production : GMEM, Cabaret Aléatoire
Remerciements : Franz K. Florez de Nativa.org
Management Magma : Sebastien Desprez et Julien Gathy
Booking / music scene : Bi:Pole – Gaetan et E314 Agency – Toon
Booking / performing arts : Parallèle – Pôle de production international pour les pratiques artistiques émergentes et Jean-François Mathieu

En coréalisation avec Montévidéo.

Vous pouvez consulter le site web de Lion’s Drums.
Vous pouvez aussi parcourir leur compte Instagram.
Vous pouvez consulter le site internet de Nativa.org.

Flora Détraz se forme en danse classique et suit des études littéraires (classes préparatoires et licence de lettres modernes) avant d’intégrer la formation du Centre Chorégraphique National de Rillieux-la-pape, dirigée par Maguy Marin.
Elle poursuit sa formation au sein du cycle de recherches chorégraphiques PEPCC, Forum Dança, à Lisbonne.
Au cours de son parcours, elle a l’occasion de rencontrer, entre autres, Meredith Monk, Jonathan Burrows, Loïc Touzé, Meg Stuart, Vera Mantero, Diane Broman, qui influencent sa propre recherche.

Depuis 2013, elle crée des pièces chorégraphiques qui questionnent la relation entre la voix et le mouvement : Peuplements (2013), Gesächt (2014), Tutuguri (2016), Muyte Maker (2018).

Actuellement, elle est aussi interprète dans le spectacle Bacchantes, prélude pour une purge de Marlène Monteiro Freitas et assistante à la chorégraphie pour la pièce Anarchismos de Pablo Fidalgo.

Production : PLI
Co-productions : Ramdam-un centre d’art – Lyon, CCN de Caen, direction Alban Richard, Pact-Zollverein, L’Avant-scène, Cognac, La Place de la danse CDCN Toulouse – Occitanie, le réseau des Petites Scènes Ouvertes, CHOREGE - Relais Culturel Régional du Pays de Falaise, Festival Alkantara
Mise à disposition de studios : Les Eclats chorégraphiques – La Rochelle, Alkantara – Lisbonne, O Espaço do Tempo – Montemor-o-novo.

Le projet Muyte Maker a reçu l’aide à la maquette et l’aide au projet de la Région Normandie, et l’aide au projet de la DRAC Normandie.

En coréalisation avec KLAP Maison pour la danse.

Vous pouvez consulter le teaser de la pièce.
Vous pouvez aussi parcourir le site internet de la compagnie.

Flora Détraz se forme en danse classique et suit des études littéraires (classes préparatoires et licence de lettres modernes) avant d’intégrer la formation du Centre Chorégraphique National de Rillieux-la-pape, dirigée par Maguy Marin.
Elle poursuit sa formation au sein du cycle de recherches chorégraphiques PEPCC, Forum Dança, à Lisbonne.
Au cours de son parcours, elle a l’occasion de rencontrer, entre autres, Meredith Monk, Jonathan Burrows, Loïc Touzé, Meg Stuart, Vera Mantero, Diane Broman, qui influencent sa propre recherche.

Depuis 2013, elle crée des pièces chorégraphiques qui questionnent la relation entre la voix et le mouvement : Peuplements (2013), Gesächt (2014), Tutuguri (2016), Muyte Maker (2018).

Actuellement, elle est aussi interprète dans le spectacle Bacchantes, prélude pour une purge de Marlène Monteiro Freitas et assistante à la chorégraphie pour la pièce Anarchismos de Pablo Fidalgo.

Production : Aline Berthou - Aoza Production

En coréalisation avec KLAP Maison pour la danse.

Vous pouvez consulter le teaser de la pièce.
Vous pouvez aussi parcourir le site internet de la compagnie.

Emmanuel Eggermont est formé à la danse contemporaine au Centre National de Danse Contemporaine d’Angers. En 2002, après trois ans aux côtés de Carmen Werner à Madrid, il part deux ans à Séoul pour un projet mêlant pédagogie et chorégraphie. De là et de sa collaboration de plus de dix ans avec Raimund Hoghe, il en tire une attention pour l’essence, pour l’essentiel. Ses projets chorégraphiques, il les développe depuis 2007 à Lille au sein de L’Anthracite. Avec un goût tangible pour l’art plastique et l’architecture, il développe une écriture singulière, des images aux résonances expressionnistes côtoient des tonalités plus performatives et une danse abstraite à la rigueur technique et esthétique. De 2010 à 2016, il était en résidence de recherche à L’L à Bruxelles. Un processus qui a abouti à plusieurs pièces, dont Vorspiel (2013). En 2014, il est invité par la SACD à participer aux Sujets à Vif au festival In d’Avignon. Il est également lauréat de la bourse d’écriture de l’association Beaumarchais pour le solo Strange Fruit créé en mai 2015 au FRAC Alsace. En 2019, Le Gymnase — CDCN de Roubaix lui commande la création d’une pièce jeune public dans le cadre du dispositif Twice. 2020 voit la création d’Aberration pièce solo questionnant la reconstruction post-traumatique.

Production : L’Anthracite
Co-productions : CCN de Tours direction Thomas Lebrun, ADC Genève, Le Gymnase CDCN Roubaix — Hauts-de-France, La Maison CDCN Uzès Gard Occitanie, Le Tandem Scène Nationale, POLE-SUD CDCN / Strasbourg, Théâtre de Nîmes — scène conventionnée d’intérêt national — Art et Création — danse contemporaine
Aides : DRAC Hauts-de-France, Région Hauts-de-France
Soutien : SPEDIDAM

Projet soutenu dans le cadre du programme Etape Danse, initié par l’Institut français d’Allemagne —Bureau du Théâtre et de la Danse, en partenariat avec la Maison CDCN Uzès Gard Occitanie, le théâtre de Nîmes — scène conventionnée d’intérêt national — Art et Création — danse contemporaine, la fabrik Potsdam, et Interplay International Festival contemporary dance (Turin) en collaboration avec La lavanderia a Vapore / Fondazione Piemonte dal Vivo (Piémont) et l’aide de la DGCA — ministère de la Culture et de la Ville de Potsdam.

Emmanuel Eggermont est artiste associé au Centre Chorégraphique National de Tours, direction Thomas Lebrun (2019-2023).

Avec le soutien de l’Onda — Office national de diffusion artistique.

En coréalisation avec LE ZEF.

Vous pouvez consulter le site web de la compagnie Anthracite.

Née à Athènes, Katerina Andreou est basée en France. Diplômée de l’Ecole de Droit d’Athènes et de l’Ecole Nationale de Danse d’Athènes, elle a suivi le programme ESSAIS au CNDC d’Angers et est titulaire d’un Master de recherche chorégraphique (Paris 8). Comme interprète elle a notamment collaboré avec DD Dorvillier, Anne Lise Le Gac, Lenio Kaklea, Bryan Campbell, Dinis Machado, Emmanuelle Huynh, Ana Rita Teodoro. Dans son propre travail elle développe une pratique physique propre à chaque projet et recherche des états de présence qui résultent d’une constante négociation entre des tâches, fictions ou univers contrastés voire contradictoires, remettant souvent en cause les notions d’autorité et de censure. Elle crée elle-même l’environnement sonore de ses pieces qui devient son principal outil dramaturgique. Elle a reçu le prix Jardin d’Europe au festival ImpulsTanz en 2016 pour son solo A kind of fierce. Elle a ensuite crée le solo BSTRD (2018) et le duo Zeppelin Bend (2020) avec Natali Mandila.

Co-production : Atelier de Paris CDCN, ONASSIS STEGI, Centre Chorégraphique National d’Orléans, Centre Chorégraphique National de Caen en Normandie dans le cadre de l’Accueil-studio, La place de la danse CDC de Toulouse, Ballet de Marseille.
Partenaires : Ménagerie de verre Studiolab, Kunstencentrum BUDA, Réservoir Danse Rennes, ImpulsTanz Festival (résidence Prix Jardin D’Europe) / CN D Pantin (résidence augmentée)/ La CABINE (PAD), Monitor Fest Heraklion.
Avec le soutien de l’ARCADI et de la DRAC Ile de France
PREMIERE: 5th Young Choreographers Festival, ONASSIS STEGI, Athènes

Avec le soutien de l’Onda - Office national de diffusion artistique.

En coréalisation avec le Ballet national de Marseille.

Vous pouvez consulter le teaser de BSTRD.
Vous pouvez aussi parcourir le site internet de Katerina Andreou.
Vous pouvez lire l’interview de Katerina Andreou sur Manifesto XXI.

Chorégraphe, performeur et plasticien, Steven Cohen est un créateur qui explore les failles et les grâces de l’humanité. L’artiste est né en 1962 à Johannesburg en Afrique du Sud. Il vit aujourd’hui en France et engage son corps dans des performances intimes, sensibles et surprenantes qu’il donne dans les théâtres, les musées, les galeries ou l’espace public. L’oreille tendue aux marginalités, à commencer par sa propre identité, il s’incarne dans un travail où son corps reste le support principal de son expression. L’artiste se métamorphose ainsi en une créature aussi inquiétante que colorée et crée une brèche dans le quotidien et dans les esprits, non pas pour faire trébucher mais pour forcer à stopper les évidences et à faire face, ensemble, à l’indifférence qui gagne du terrain dans nos sociétés.

Depuis septembre 2021, Steven Cohen est artiste associé au Théâtre National de Bretagne. Sa prochaine création, Boudoir, verra le jour à l’automne 2022 au Théâtre Vidy de Lausanne.
Sa compagnie, installée depuis peu à Bordeaux, est soutenue par la DRAC Nouvelle-Aquitaine et par le Conseil Départemental de la Gironde.

En co-réalisation avec le Ballet national de Marseille.

Vous pouvez consulter le site internet de Steven Cohen.
Vous pouvez aussi parcourir le site internet du Ballet national de Marseille.
Vous pouvez lire l’article de Julien Bécourt dans Mouvement.

Maxime Kurvers, né en 1987 à Sarrebourg en Moselle, vit actuellement à Aubervilliers. Il poursuit des études théoriques en arts du spectacle à l’université de Strasbourg avant d’intégrer la section scénographie de l’École du Théâtre National de Strasbourg (2008-2011).
En 2015, il réalise avec Pièces courtes 1-9 sa première mise en scène (présentée à Parallèle en 2017), sous la forme d’un programme théâtral qui interroge les conditions minimales de sa propre réalisation. Créé en 2016, Dictionnaire de la musique prolonge ce questionnement du théâtre et de ses ressources par la présence et l’histoire d’autres médiums. La naissance de la tragédie est un solo pour et par l’acteur Julien Geffroy. Idées musicales (2020) est un récital musical expérimental. Depuis 2018, il travaille sur un projet au long cours, Théories et pratiques du jeu d’acteur·rice (1428-2021), une bibliothèque vivante pour l’art de l’acteur·rice en 28 chapitres. 4 questions à Yoshi Oida (2022) prolonge autrement ces questions d’anthropologie théâtrale.

Maxime Kurvers est artiste associé à la Ménagerie de verre pour la saison 2016-2017, artiste résident à la Saison Foundation Tokyo en 2020 et associé à la Commune — CDN d’Aubervilliers depuis septembre 2016.

Production : MDCCCLXXI

Avec l’aide de la Maison de la culture du Japon à Paris et de Morishita Studio — Saison Fondation à Tokyo, pour la mise à disposition de leurs espaces de recherches et de répétitions.

Avec le soutien de l’Onda — Office national de diffusion artistique.

En coréalisation avec le Théâtre Antoine Vitez — Le Cube.

Vous pouvez consulter le site internet de Maxime Kurvers.
Vous pouvez aussi consulter le site internet du Théâtre Antoine Vitez - Le Cube.